United Press National Anthology

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Mark Rothko

Infancia
Mark Rothko (Marcus Rothkowitz, Mark Rotkovich) nació en Dvinsk, provincia de Vitebsk, Imperio Ruso (ahora Daugavpils, Letonia). Su padre, Jacob Rothkowitz, fue un farmacéutico y un intelectual, que proporcionan a sus hijos con una secular y político, más que religioso, la educación. A diferencia de judios en la mayoría de las ciudades de zarista Rusia, los de Dvinsk se había librado de brote de violencia de los pogromos antisemitas. Sin embargo, en un ambiente donde Judios fueron acusados a menudo de muchos de los males que afectó a Rusia, a principios de Rothko infancia estuvo plagada de miedo.
A pesar de modestos ingresos Jacob Rothkowitz, la familia era muy educada y capaz de hablar ruso, yiddish y hebreo. Tras el regreso de Jacob al judaísmo ortodoxo, envió a Marcus, su hijo menor, a la jeder a los 5 años, donde estudió el Talmud, aunque sus mayores habían sido educados en el sistema escolar público.
La emigración de Rusia a los EE.UU.
Temiendo que sus hijos estaban a punto de ser reclutado por el ejército zarista, Jacob Rothkowitz emigraron de Rusia a los Estados Unidos, siguiendo el camino de muchos Judios otros que dejaron Daugavpils a raíz de las purgas de cosacos. Estos migrs incluidos dos de los hermanos Jacob, que logró establecerse como fabricantes de ropa en Portland, Oregon, una profesión común entre los inmigrantes de Europa del Este. Marcus quedó en Rusia con su madre y la hermana mayor de Sonia. Se unieron a Jacob y los hermanos mayores más adelante, llegando a la isla de Ellis en el invierno de 1913 después de doce días en el mar. la muerte de Jacob unos meses más tarde abandonó a la familia sin el apoyo económico. Una de las tías de Marcus hizo un gran trabajo no calificado, Sonia operaba una caja registradora, mientras que Marcos trabajaba en uno de los almacenes de su tío, la venta de periódicos a los empleados.
Marcus comenzó la escuela en los Estados Unidos en 1913, de forma rápida aceleración del tercer al quinto grado, y completó la secundaria con honores en el Lincoln High School en Portland, en junio de 1921 a la edad de diecisiete años. Aprendió su cuarta lengua, Inglés, y se convirtió en un miembro activo de la centro comunitario judío, donde se mostró hábil en los debates políticos. Al igual que su padre, Rothko fue un apasionado de temas como los derechos de los trabajadores y derecho de las mujeres a los anticonceptivos.
Él recibió una beca para la Universidad de Yale en función del rendimiento académico, pero se ha sugerido que sólo la Universidad de Yale hizo esta oferta con el fin de atraer a amigo Rothko, Aaron Director, con una propuesta similar. Después de un año, la beca se acabó y Rothko tuvo trabajos de baja categoría para apoyar sus estudios.
Rothko encontró el "WASP" comunidad de Yale para ser elitista y racista. Él y el director Aaron comenzó una revista satírica, La Universidad de Yale la tarde de sábado de Plagas, que satirizó la escuela actitud tapada, burguesa. Después de su segundo año, Rothko abandonó, y no regresó hasta que le fue concedido un grado honorario de cuarenta y seis años más tarde.
Inicios de su carrera
En el otoño de 1923, Rothko encontró trabajo en el distrito de la moda de Nueva York y estableció su residencia en el Upper West Secundarios. Mientras visitaba a un amigo en la Art Students League de Nueva York, vio a los estudiantes dibujar un modelo. Según Rothko, este fue el comienzo de su vida como artista. Incluso su auto-describe "Principio" en la Art Students League de Nueva York no fue el compromiso de todo corazón, dos meses después regresó a Portland para visitar a su familia, se unió a un grupo de teatro dirigido por Clark Gable esposa, Josephine Dillon. Cualquiera que sea su capacidad teatral puede haber sido, él no tenía la apariencia típicamente asociados con éxito los agentes comerciales, profesionales y actuando parecía un improbable carrera.
Al regresar a Nueva York, Rothko brevemente inscritos en la Nueva Escuela de Diseño, donde uno de sus profesores fue el artista Arshile Gorky. Este fue probablemente su primer encuentro con un miembro de la "vanguardia". Ese otoño, tomó cursos en la Art Students League de Nueva York enseñó por el artista muerta Max Weber, que también era un ruso Judio. Fue debido a que Weber Rothko comenzó a ver el arte como una herramienta de expresión emocional y religiosa, y las pinturas de Rothko de esa época retratan una influencia weberiana.
Rothko círculo
Rothko pasar a Nueva York lo establecido en un ambiente artístico fértil. pintores modernistas se muestra en las galerías de Nueva York, y los museos de la ciudad fueron un recurso muy valioso para fomentar un conocimiento artista en ciernes, experiencia y habilidades. Entre las primeras influencias fueron las obras de los expresionistas alemanes, la obra surrealista de Paul Klee, y las pinturas de Georges Rouault. En 1928, Rothko tuvo su propia mostrando con un grupo de jóvenes artistas en el apropiado nombre de Galería de Oportunidades. Sus pinturas incluyen oscuros, interiores de mal humor, expresionista, así como escenas urbanas, y en general fueron bien aceptada entre los críticos y los compañeros. A pesar de un éxito modesto, Rothko todavía se necesita para complementar sus ingresos, y en 1929 comenzó a dar clases de pintura y escultura de arcilla en la Academia de Centro, donde permaneció como profesor hasta 1952. Durante este tiempo, conoció a Adolph Gottlieb, quien, junto con Barnett Newman, SOLMAN José, Schanker Louis, y John Graham, fue parte de un grupo de jóvenes artistas alrededor del pintor Milton Avery, Rothko quince años de alto nivel. Avery estilizada, escenas naturales, utilizando un rico conocimiento de la forma y el color, sería una tremenda influencia sobre Rothko. Su propia pinturas, poco después de reunirse con Avery, comenzó a utilizar un tema similar y color, como en Rothko 1933-1934 bañistas, o Escena de playa.
Rothko, Gottlieb, Newman, Solman, Graham, y su mentor, Avery, pasó mucho tiempo juntos, de vacaciones en el lago George y Gloucester, Massachusetts, el gasto de su pintura días y sus noches discutiendo de arte. Durante una 1932 visita al Lago George, Rothko se reunió Edith Sachar, una diseñadora de joyas, que se casó el 12 de noviembre. El verano siguiente, se muestran Rothko primer one-man se celebró en el Museo de Arte de Portland, que consiste en sobre todo de dibujos y acuarelas, así como las obras de Rothko estudiantes pre-adolescentes de la Academia de Centro. Su familia no podía entender la decisión de Rothko que ser un artista, sobre todo teniendo en cuenta la difícil situación económica de la Depresión. Después de haber sufrido graves reveses financieros, el Rothkowitzes estaban desconcertados por la indiferencia Rothko parece a la necesidad financiera, sino que sentía que estaba haciendo su madre un flaco favor al no encontrar una carrera más lucrativa y realista.
Primera exposición individual en Nueva York
Al regresar a Nueva York, Rothko tuvo su primera de la Costa Este de un solo hombre muestran en la Galería de Arte Contemporáneo. Mostró quince pinturas de aceite, sobre todo retratos, junto con algunas acuarelas y dibujos. Se los aceites que la captura de los ojos críticos, el uso de Rothko los ricos campos de colores mostraron un toque maestro, y se trasladó más allá de la influencia de Avery. A finales de 1935, Rothko se unió a Ilya Bolotowsky, Ben Zion, Adolph Gottlieb, Lou Harris, Ralph Rosenborg, Luis Schanker y SOLMAN José para formar "El Diez" (Whitney Diez disidentes), cuya misión (de acuerdo a un catálogo de un programa de 1937 Galería de Mercurio) fue "para protestar contra la fama equivalencia de la pintura americana y la pintura literal. "estilo de Rothko ya estaba evolucionando en la dirección de sus obras más conocida, sin embargo, a pesar de esta exploración renovada de color, Rothko centró su atención en otra de las innovaciones formales y estilísticas, inaugurando un período de pinturas surrealistas influenciado por las fábulas mitológicas y símbolos. Él estaba ganando una reputación cada vez mayor entre sus compañeros, sobre todo entre el grupo que formaron la Unión de los Artistas. Iniciado en 1937, e incluyendo Gottlieb y Salomón, su plan era crear una galería de arte municipal para mostrar el resultado de auto-organizados exposiciones colectivas. El sindicato de artistas fue una cooperativa que reúne los recursos y el talento de varios artistas para crear una atmósfera de mutua admiración y la autopromoción. En 1936, el grupo mostró en la Galería Bonaparte en Francia. Luego, en 1938, un espectáculo tuvo lugar en la Galería de Mercurio, en desafío directo del Museo Whitney, que el grupo considera que tiene una provincia, regionalistas orden del día. Fue también durante este período que Rothko, como muchos artistas, encontró empleo en la Works Progress Administration, una agencia de alivio de la mano de obra creada en virtud del New Deal de Roosevelt en respuesta a la crisis económica. A medida que la depresión se desvaneció, Rothko continúa en la en la administración pública, trabajando para TRAP, una agencia que trabajan artistas, arquitectos y obreros en la restauración y renovación de edificios públicos. Muchos otros importantes artistas fueron empleados también por TRAMPA, incluyendo Avery, DeKooning, Pollock, Reinhardt, David Smith, Louise Nevelson, ocho de los "Diez" artistas del grupo disidente, y el profesor Rothko edad, Arshile Gorky.
Desarrollo del estilo
En 1936, Rothko comenzó a escribir un libro, nunca terminado, sobre las similitudes en el arte de los niños y el trabajo de pintores modernos. De acuerdo a Rothko, la obra de los modernistas, influenciado por el arte primitivo, se podría comparar a la de los niños en los que el arte infantil "se transforma a sí mismo en el primitivismo, que es sólo el niño producir una imitación de sí mismo. "En este manuscrito, observó que" el hecho de que por lo general se comienza con el dibujo ya está académico. Comenzamos con el color. "
El artista modernista, como el niño y el primitivo por el cual es influenciado, expresa un sentimiento innato de forma que sea, en el trabajo mejor y más universal, expresarse sin interferencia mental. Se trata de una experiencia física y emocional, no intelectual. Rothko fue el uso de campos de color en sus acuarelas y escenas de la ciudad, y su objeto y la forma en este momento se había convertido en no-intelectual.
el trabajo de Rothko madurado de la representación y temas mitológicos en los campos rectangulares de color y la luz, que más tarde culminó o se autodestruyó en sus últimos trabajos para la Capilla Rothko. Sin embargo, entre los primitivistas y juguetón escenas urbanas y acuarelas de los primeros tiempos, y los campos tarde, trascendente de color, fue un período de la transición. Era un medio rico y complejo que incluye dos eventos importantes en la vida de Rothko: el inicio de la Segunda Guerra Mundial, y su lectura de Friedrich Nietzsche.
Madurez
Rothko separado de su esposa, Edith Sachar, en el verano de 1937, a raíz de Edith mayor éxito en el negocio de la joyería. Rothko ayudado con el negocio de su esposa, y no disfrutar de ella. En este tiempo, Rothko fue, en comparación, un fracaso financiero. Él y Sachar reconciliarse unos meses más tarde, sin embargo, su relación se mantuvo tensa. El 21 de febrero de 1938, Rothko, finalmente se convirtió en un ciudadano de los Estados Unidos, impulsado por los temores de que la creciente influencia nazi en Europa podría provocar la expulsión súbita de Judios de América.
En un desarrollo político relacionado, tras la Pacto Hitler-Stalin de 1939, Rothko, junto con Avery, Gottlieb, y otros, a la izquierda de América Artistas Congreso con el fin de desvincularse de la alineación el Congreso con el comunismo radical. En junio, Rothko y una serie de otros artistas formaron la Federación de Pintores y Escultores Modernos. Su objetivo era mantener a su arte libre de propaganda política. Un aumento de la simpatía nazi en los Estados Unidos Estados Rothko aumentado los temores de antisemitismo, y en enero de 1940, su nombre abreviado de "Marcus Rothkowitz" a "Mark Rothko". El nombre "Roth", una abreviatura común, se había convertido, como consecuencia de su homogeneidad, identificable judía, por lo tanto se estableció en "Rothko".
La inspiración de la mitología
Ante el temor de que la pintura moderna de Estados Unidos había llegado a un callejón sin salida conceptual, Rothko fue decidido a explorar otros temas que las escenas urbanas y naturales. Buscó temas que complementan su creciente preocupación por la forma, el espacio, y color. La crisis mundial de la guerra dan a esta búsqueda de una inmediatez, ya que insistió en que la nueva materia sea de impacto social, sin embargo, capaz de trascender los límites de los actuales símbolos políticos y valores. En su ensayo, "Los románticos se le pidió", publicado en 1949, Rothko argumentó que el artista "arcaica … visto en la necesidad de crear un grupo de intermediarios, los monstruos, los híbridos, dioses y semidioses "en la misma forma que el hombre moderno se encuentran los intermediarios en el fascismo y el Partido Comunista. Para Rothko," sin monstruos y dioses, el arte no puede aprobar un drama. "
Rothko uso de la mitología como un comentario sobre la historia actual no es novela. Rothko, Gottlieb, Newman y leer y discutir las obras de Freud y Jung, en particular sus teorías sobre los sueños y los arquetipos del inconsciente colectivo, y entender los símbolos mitológicos como las imágenes que se refieren a sí mismos, que operan en un espacio de la conciencia humana que trasciende la historia específica y la cultura. Rothko dijo más tarde que su enfoque artístico fue "reformado" por su estudio de los "temas dramáticos del mito." Al parecer, dejó de pintar por completo por la duración de 1940, y leído a Freud Interpretación de los sueños y la rama dorada de Frazer.
La influencia de Nietzsche
visión Rothko nuevo intento de abordar espiritual del hombre moderno y creativo requisitos mitológicos. La influencia filosófica más importante de Rothko en este período fue Friedrich Nietzsche, El nacimiento de la tragedia. Nietzsche afirmaba que la tragedia griega tenía la función de la redención del hombre de los terrores de la vida mortal. La exploración de temas nuevos en el arte moderno a dejado de ser el objetivo de Rothko, a partir de ahora, su arte se llevan el fin último de aliviar el vacío espiritual del hombre moderno. A su juicio que este "vacío" fue creado en parte por la falta de una mitología, que podría, según lo descrito por Nietzsche, "[dirección] … el crecimiento de una mente infantil y – a un hombre maduro de su vida y las luchas".
Rothko cree que su arte podía liberar las energías inconscientes previamente liberados por las imágenes mitológicas, símbolos y rituales. Él se consideraba un "hacedor de mitos", y proclamó "el regocijo trágica experiencia, es para mí la única fuente del arte. "
Muchas de sus pinturas de este período de escenas de violencia brutal contraste con las de la pasividad civilizada, con imágenes sacadas principalmente de la trilogía Orestíada de Esquilo. En su pintura de 1942, La profecía del Águila, las imágenes arquetípicas de, en palabras de Rothko, "el hombre, pájaro, bestia y el árbol … se funden en un solo trágica idea. "El ave, un águila, no estuvo exenta de relevancia histórica contemporánea, ya que tanto los Estados Unidos y Alemania (en su reclamo a la herencia del Sacro Imperio Romano) utilizaron el águila como un símbolo nacional. Rothko intercultural, la lectura de trans-histórica del mito perfectamente direcciones de las raíces psicológicas y emocionales del símbolo, por lo que es universalmente a disposición de cualquiera que pueda desea verlo. Una lista de los títulos de las pinturas de este período es un ejemplo del uso de Rothko del mito: Antígona, Edipo, El Sacrificio de Ifigenia, Leda, El Furias, el Altar de Orfeo. imágenes judeo-cristiana se evoca: Getsemaní, La Última Cena, Ritos de Lilith, al igual que Egipto (Habitación en Karnak) y Siria (Siria El Toro). Poco después de la guerra, Rothko sintió sus títulos se limita la más grande, tiene como objetivo trascendente de sus obras, y así les quita por completo.
"Mythomorphic" Abstraccionismo
En la raíz de Rothko y Gottlieb presentación de formas arcaicas y símbolos como objeto iluminar la vida moderna ha sido la influencia del surrealismo, el cubismo y el arte abstracto. En 1936, Rothko asistido a dos exposiciones en el Museo de Arte Moderno ", el cubismo y el arte abstracto", y "Fantastic Art, Dada y el surrealismo", lo que influyó en su célebre 1.938 metro de escena.
En 1942, tras el éxito de la muestra por Ernst, Miró, Tanguy y Salvador Dal, que habían emigrado a los Estados Unidos a causa de la guerra, el surrealismo tuvo en Nueva York por la tormenta. Rothko y sus compañeros, Gottlieb y Newman, se reunió y discutió el arte y las ideas de estos pioneros europeos, especialmente los de Mondrian. Comenzaron a sí mismos como herederos de la vanguardia europea.
Con forma mítica como un catalizador, que se fusionaría los dos estilos europeos del surrealismo y la abstracción. Como resultado, el trabajo de Rothko se convirtió cada vez más abstractas, tal vez irónicamente, Rothko se describió el proceso de como uno hacia la "claridad".
Nuevas pinturas fueron dados a conocer en un show de 1942 en grandes almacenes Macy de Nueva York. En respuesta a un comentario negativo por el New York Times, Rothko y Gottlieb publicó un manifiesto (escrito principalmente por Rothko), que declaró, en respuesta a la crítica Times, autoproclamado "desconcierto" sobre el nuevo trabajo,
Estamos a favor de la simple expresión del pensamiento complejo. Estamos a favor de la forma grande porque tiene el impacto de la inequívoca. Queremos reafirmar el plano del cuadro. Estamos a favor de formas planas porque destruyen la ilusión y la revelar la verdad.
la visión de Rothko del mito como un recurso de reposición para una época de vacío espiritual se ha creado en las décadas de movimiento antes, por la lectura de Carl Jung, TS Eliot, James Joyce y Thomas Mann, entre otros. A diferencia de sus predecesores, Rothko que, en su último período, desarrollar su filosofía de la idea trágica en el ámbito de la abstracción pura. Se lo preguntó la posibilidad de que la humanidad para transformar una base de imágenes en un nuevo conjunto de imágenes, ya no depende de la mitología tribal, arcaica, y los símbolos religiosos muy Rothko había utilizado y se esforzó con el durante su período intermedio.
Ruptura con el surrealismo
El 13 de junio de 1943, Rothko y Sachar separados de nuevo. Rothko sufrió una larga depresión tras su divorcio. Pensando que un cambio de escenario podría ayudar, Rothko regresó a Portland. Desde allí viajó a Berkeley, donde conoció a artistas Clyfford Still, y los dos comenzaron una estrecha amistad. Todavía profundamente pinturas abstractas sería de considerable influencia sobre Rothko obras posteriores. En el otoño de 1943, Rothko regresó a Nueva York, donde conoció a señalar coleccionista Peggy Guggenheim. Su asistente, Howard Putzel, convencido de Guggenheim para mostrar el resultado de Rothko en su La galería Art of This Century. Rothko una exposición individual en la galería Guggenheim, a finales de 1945, resultó en pocas ventas (a precios que van desde $ 150 a $ 750), y en los exámenes menos que favorables. Durante este período, Rothko había sido estimulado por Still paisajes abstractos de color, y su estilo alejado del surrealismo. experimentos de Rothko para interpretar el simbolismo inconsciente de las formas cotidianas había seguido su curso. Su futuro estaba con la abstracción:
Insisto en la existencia misma del mundo que han surgido en la mente y el mundo engendrado por Dios fuera de él. Si he fallado en el uso de objetos familiares, es porque me niego a mutilar su aparición por el bien de una acción que son demasiado viejos para servir, o para los que quizá nunca habían sido destinados. Yo disputa con los surrealistas y el arte abstracto sólo como una pelea con su padre y la madre, reconociendo la inevitabilidad y la función de mis raíces, pero insistente en mi disidencia, yo, que tanto ellos, y un integrante completamente independiente de ellos.
1945 obra de Rothko, "Slow remolino en el borde de mar" muestra su propensión recién hacia la abstracción. A veces se interpreta como una meditación sobre el noviazgo Rothko de su segunda esposa, Mary Ellen Beistle, a quien conoció en 1944, y se casaron en la primavera de 1945. La pintura presenta dos formas similares a las humanas abrazó en un remolino, la atmósfera flotante de formas y colores, en tonos grises y marrones sutiles. El prefigura rígida rectangular de fondo Rothko experimentos posteriores en color puro. La pintura se terminó, no por casualidad, en el año de la Segunda Guerra Mundial.
A pesar del abandono de su "abstraccionismo Mythomorphic" (Según lo descrito por ARTnews), Rothko seguiría siendo reconocido por el público sobre todo por su "surrealista" obras, para el resto de la década de 1940. El Museo Whitney ellas incluidas en sus informes anuales exposición de Arte Contemporáneo desde 1943 hasta 1950.
Rothko "multiforme"
El año 1946 vio la creación de Rothko de transición "multiforme" pinturas. En la visión raisonn catálogo, se puede reconocer la metamorfosis gradual desde la pintura surrealista, influenciada mito de la primera parte de la década a las formas muy abstractas, Clyfford Still de influencia de color puro. El término "multiforme" ha sido aplicado por los críticos de arte, esta palabra nunca fue utilizada por el propio Rothko, sin embargo, es una descripción exacta de estas pinturas. Varios de ellos, incluyendo N º 18 (1948) y Sin título (también 1948), son obras de arte por derecho propio. Rothko se describió estas pinturas como poseer una estructura más orgánica, y como unidades autónomas de la expresión humana. Para Rothko, estos borrosa bloques de colores diversos, carente de paisaje o figura humana, por no hablar de mito y símbolo, poseía su propia fuerza vital. Contenían un respiro " de la vida "que echaba en falta en la mayoría de la pintura figurativa de la época. Esta nueva forma parecía lleno de posibilidades, mientras que su experimentación con el simbolismo mitológico se había convertido en una fórmula cansado, en gran parte la misma manera que él consideraba su fines de 1930 los experimentos en el medio urbano. El "multiforme" Rothko trajo a la realización de su estilo maduro firma, y fue el único estilo que Rothko nunca se abandona antes de su muerte.
Rothko, en medio de un período crucial de transición, había quedado impresionado por Clyfford Still campos abstractos de color, que fueron influenciados en parte por los paisajes de Still nativas de Dakota del Norte. En 1947, durante una enseñanza semestre de verano de la Escuela de Bellas Artes de California, Rothko y Still coqueteado con la idea de fundar su propia plan de estudios, y se dieron cuenta la idea de Nueva York en el año siguiente. Denominado "Los sujetos de la Escuela de Artistas", que emplea David Hare y Robert Motherwell, entre otros. Aunque el grupo fue de corta duración y se separaron más tarde en el mismo año, la escuela era el centro de una intensa actividad en el arte contemporáneo. Además de su experiencia en la enseñanza, Rothko comenzó a contribuir artículos de dos publicaciones de arte nuevo, "Ojo de Tigre" y "posibilidades". Uso de los foros como una oportunidad para evaluar la actual escena artística, Rothko también se discute en detalle sus propias obras de arte y filosofía del arte. Estos artículos reflejan la eliminación de los elementos figurativos de su trabajo. Él describió su nuevo método como "aventuras desconocidas en un espacio desconocido," libre de "asociación directa con cualquier particular, y la pasión del organismo. "
En 1949, Rothko se convirtió en fascinación de Matisse Red Studio, adquirida por el Museo de Arte Moderno de ese año. Más tarde se acreditarán como fuente de inspiración para sus pinturas más abstractas.
Tardío
Pronto, la "multiforme" se convirtió en el estilo de la firma, a principios de 1949 Rothko expuesto estas nuevas obras en la galería Betty Parsons. Para el crítico Harold Rosenberg, las pinturas fueron nada menos que una revelación. Rothko había, después de pintar su primer "multiforme", aislado a sí mismo a su casa en East Hampton, en Long Island. Invitó a sólo unos pocos elegidos, incluidos los Rosenberg, para ver las nuevas pinturas. El descubrimiento de su forma definitiva se produjo en un período de gran aflicción para el artista, su madre Kate murió en octubre de 1948. Fue en algún momento durante este invierno que Rothko se topó con el sorprendente bloques simétricos rectangulares de dos a tres oposición o contraste, sin embargo, los colores complementarios. Además, para los próximos siete años, Rothko, pintado al óleo sólo en grandes lienzos con formato vertical. Diseños muy gran escala se utilizaron con el fin de saturar el espectador, o, en palabras de Rothko, para que el espectador se sienta "envuelto en" la pintura. Para algunos críticos, el gran tamaño era un intento de compensar la falta de sustancia. En represalia, Rothko declaró lo siguiente:
Me doy cuenta de que históricamente la función de pintar cuadros grandes es la pintura de algo muy grandioso y pomposo. La razón por la que pintar, sin embargo. . . es precisamente porque Quiero ser muy íntimo y humano. Para pintar un cuadro pequeño es colocarse fuera de su experiencia, para considerar una experiencia como un punto de vista estereoscopio o con un vaso de reducción. Sin embargo, usted la pintura el cuadro más grande, que están en él. ¿No es algo que comando!
Incluso fue tan lejos como para recomendar que una posición de espectador sí tan sólo 18 pulgadas de distancia de la lona para que el espectador puede experimentar una sensación de intimidad, así como temor, una trascendencia de la persona, y un sentido de lo desconocido.
Como Rothko alcanzado el éxito, se convirtió en cada vez más protectora de sus obras, bajar varias ventas potencialmente importantes y las oportunidades de exposición.
Un cuadro vive por compañerismo, la ampliación y aceleración en el los ojos del observador sensible. Se muere por la misma razón. Por tanto, es un acto arriesgado y sin sentimientos que le envíe al mundo. ¿Con qué frecuencia debe ser permanentemente afectada por los ojos del vulgo y la crueldad de la impotencia que se extendería la aflicción universal!

Mark Rothko
Una vez más, Rothko objetivos, en algunos críticos y la estimación de los espectadores, excedido en sus métodos. Muchos de los expresionistas abstractos exhibidos pretensiones de algo parecido a una experiencia espiritual, o por lo menos una experiencia que supera los límites de lo puramente estética. En años posteriores, Rothko hizo hincapié en la dimensión espiritual de su obra, un sentimiento que culminaría en la construcción de la Capilla Rothko.
Muchos de los "multiforme" y las primeras pinturas de la firma mostrar una afinidad por los colores brillantes y vibrantes, sobre todo los rojos y amarillos, que expresa la energía y el éxtasis. A mediados de 1950 sin embargo, cerca de una década después de la finalización de la primera "multiforme", comenzó a emplear Rothko azules oscuros y verdes, para muchos críticos de su obra este cambio de colores fue representante de una oscuridad cada vez mayor dentro de Rothko personales vida.
El método general de estas pinturas fue aplicar una fina capa de aglutinante mezclado con pigmento directamente sobre el lienzo sin recubrimiento y sin tratar, y pintar los aceites disminuido de manera significativa directamente en esta capa, creando una mezcla densa de la superposición de colores y formas. Sus pinceladas son rápidas y la luz, un método que podría seguir utilizando, hasta su muerte. Su adeptness aumento en este método se puede comprobar en las pinturas de la Capilla completado. Con una total falta de representación figurativa, lo que el drama no se encuentra en una tarde Rothko está en el contraste de colores, radiante, por así decirlo, uno contra el otro. Sus pinturas se puede comparar con una especie de acuerdo de fuga: cada variación contrapuestos entre sí, pero todos los existentes dentro de una arquitectónica estructura.
Rothko utiliza varias técnicas originales que trató de mantener en secreto incluso de sus asistentes. Microscopía electrónica y análisis ultravioleta realizadas por el MOLAB mostró que empleó sustancias naturales como el huevo y la cola, así como los materiales artificiales, incluidos los resinas acrílicas, fenol-formaldehído, modificado alquídicas y otros. Uno de sus objetivos era hacer las diferentes capas de la pintura se seca rápidamente, sin mezcla de colores, de tal manera que pronto se podría crear nuevas capas en la parte superior de los anteriores.
Europea viaja
Rothko y su esposa visitaron Europa durante cinco meses a principios de 1950. La última vez que había estado en Europa fue durante su infancia en Letonia, en ese momento parte de Rusia. Sin embargo, no regresó a su patria, prefieren visitar los museos importantes de Inglaterra, Francia e Italia. Él admiraba mucho el arte europeo, y visitó los principales museos de París. Además de ver muchas pinturas, la arquitectura y la música de Europa dejó una profunda impresión en Rothko. Los frescos de Fra Angelico en el monasterio de San Marco en Florencia que más le impresionó. Angelico íntimamente temperatura brillantes frescos magníficamente contraste con la grandeza y la serenidad monástica de la arquitectura circundante. Ciertamente, la espiritualidad y la concentración de la luz hizo un llamamiento a la sensibilidad Rothko, al igual que las circunstancias económicas Angelico, Rothko, que vio como similar a la suya, que siempre ha sido obligado a luchar para existir como artista.
De Angelico, Rothko declaró: "Como artista tienes que ser un ladrón y robar un lugar por sí mismo en la pared hombre rico. "Él sentía que todavía estaba luchando, a pesar de algunos avances prometedores, incluyendo la venta de una pintura por mil dólares a la señora de John D. Rockefeller III y la compra de "Número 10" (1950) para el Museo de Arte Moderno.
Rothko se muestra individual en la Betty Parsons Gallery en 1950 y 1951, y en otras galerías de todo el mundo, incluyendo Japón, São Paulo y Amsterdam. El 1952 "estadounidenses Quince" evento organizado por Canning Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno formalmente anunciado los artistas abstractos, incluyendo obras de Jackson Pollock y Baziotes William. También creó un conflicto entre Rothko y Barnett Newman, Rothko después de Newman acusado de haber tratado de excluirlo de la serie. Cultivar logros como un grupo dirigido a las luchas internas, y afirma la supremacía y el liderazgo. Cuando "Fortune" revista nombró a una pintura de Rothko como una buena inversión, Newman y todo, por celos, le marca un sell-out, secretamente poseen aspiraciones burguesas. Aún así le escribió a Rothko para solicitar las pinturas que había dado Rothko largo de los años. Rothko fue profundamente deprimido por sus celos antiguos amigos.
Durante el viaje de Europa 1950, la esposa de Rothko se quedó embarazada. El 30 de diciembre, cuando estaban de regreso en Nueva York, dio a luz a una hija, Kathy Lynn, llamada "Kate" en honor de la madre de Rothko.
Las reacciones a su creciente éxito propio
Poco tiempo después, debido a la clavija de la revista Fortune y más compras de los clientes, la situación financiera Rothko comenzó a mejorar. Además a las ventas de pinturas, también tenía dinero de su puesto de profesor en el Brooklyn College. En 1954, expuso en una exposición individual en el Art Institute de Chicago, donde conoció a un comerciante de arte Sidney Janis, quien también representó a Pollock y Franz Kline. Su relación demostrado beneficio mutuo.
A pesar de su fama, Rothko sintió un aislamiento cada vez mayor personal, y un sentido de ser mal interpretado como artista. Temía que la gente compró sus pinturas simplemente fuera de moda, y que el verdadero propósito de su trabajo no estaba siendo captado por los coleccionistas, el público o los críticos. Quería que sus pinturas ir más allá de la abstracción, así como más allá del arte clásico. Para Rothko, las pinturas eran objetos que poseían su propia forma y su potencial, y por lo tanto, debe encontrarse como tal. Sensores la inutilidad de las palabras para describir este aspecto decididamente no verbal de su trabajo, Rothko abandonó todo intento de responder a las que podrían preguntar por su significado y efecto, donde constarán finalmente que el silencio es "lo preciso". Sus pinturas "las superficies son amplias y empuje hacia afuera en todas direcciones, o su contrato de superficies y se apresuran hacia el interior en todas las direcciones. Entre estos dos polos que puede encontrar todo lo que quiero decir. "
Él comenzó a insistir en que él no era un abstraccionista, y que tal descripción es tan inexacto como el etiquetado de él un gran colorista. Su interés fue la siguiente:
sólo en la expresión de las emociones humanas básicas tragedia, el éxtasis, la fatalidad, y así sucesivamente. Y el hecho de que mucha gente romper a llorar cuando se enfrentan con mis fotos muestra que Puedo comunicar las emociones humanas básicas. . . La gente que llora ante mis cuadros tienen la misma experiencia religiosa que tenía cuando los pintó. Y si usted, como usted dice, sólo se mueven por su relación con el color, luego de perder el punto.
Para Rothko, el color es "un mero instrumento." El "multiforme" y las pinturas de la firma, en esencia, el mismo expresión de "las emociones humanas básicas", como sus pinturas mitológicas surrealista, aunque en una forma más pura. Lo que es común entre estas innovaciones estilísticas es una preocupación por "la tragedia, el éxtasis y de la condenación. "Rothko comentarios sobre los espectadores de romper a llorar antes de su pintura que pueden haber convencido al Menils De la construcción de la Capilla Rothko. Cualquiera que sea sentimiento Rothko sobre la audiencia o la interpretación establecimiento crítica de su obra, es evidente que, en 1958, la expresión espiritual que quería decir para representar en el lienzo fue creciendo cada vez más oscuro. Su rojos brillantes, amarillos y las naranjas se transforman sutilmente en oscuros azules, verdes, grises y negros.
Murales Seagram / Restaurante Four Seasons comisión artística
En 1958, Rothko fue otorgado la primera de las dos comisiones principales murales que resultó gratificante y frustrante. La empresa de bebidas Joseph Seagram & Sons ha finalizado recientemente su nuevo edificio en Park Avenue, diseñado por arquitectos Mies Van der Rohe y Philip Johnson. Rothko acordado proporcionar pinturas para la construcción de restaurante de lujo, el Four Seasons.
Para Rothko, esta comisión presentó un nuevo desafío para él era la primera vez que se requería no sólo el diseño de una serie coordinada de las pinturas, sino para producir un concepto de espacio de arte para un interior amplio y específico. Durante los siguientes tres meses, Rothko completado cuarenta pinturas, tres series completas en rojo oscuro y marrón. Él cambió su formato horizontal a vertical para complementar cuenta con el restaurante verticales: columnas, paredes, puertas y ventanas.
El próximo mes de junio, Rothko y su familia volvió a viajar a Europa. Mientras que sobre la independencia de las SS que revelará a John Fischer, editor de Harper's, que su la verdadera intención de los murales Seagram era pintar "algo que va a arruinar el apetito de cada hijo de puta que nunca come en esa habitación. Si el restaurante se niegan a poner mi murales, que sería el último elogio. Pero ganaron. La gente puede que nada se interponga en estos días. "
Mientras que en Europa, el Rothkos viajó a Roma, Florencia, Venecia y Pompeya. En Florencia, visitó la biblioteca de San Lorenzo, para ver de primera mano la sala de la colección de Miguel Ángel, de la que sacó más inspiración para los murales. Señaló que la sala "tenía exactamente la sensación de que Quería […] le da al visitante la sensación de estar atrapado en una habitación con las puertas y ventanas tapiadas en el cierre. "Tras el viaje a Italia, el Rothkos viajó a París, Bruselas, Amberes y Amsterdam, antes de regresar a los Estados Unidos.
Una vez de vuelta en Nueva York, Rothko y esposa Mell visitó la casi completa Cuatro restaurante Seasons. Molesto con la de restaurante atmósfera, lo que él consideraba pretenciosos e inadecuado para la exhibición de sus obras, Rothko inmediatamente se negó a continuar el proyecto, y devolvió el adelanto de efectivo a la comisión de Seagram Hijos y Compañía. Seagram tenía la intención de honrar a la emergencia de Rothko a la fama a través de su selección, y su incumplimiento de contrato y de expresión pública de indignación fueron inesperados.
Rothko mantener las pinturas en servicio en el almacenamiento hasta 1968. Teniendo en cuenta que Rothko había conocido con antelación sobre la decoración de lujo del restaurante y la clase social de sus clientes futuros, los motivos exactos para su rechazo abrupto siguen siendo un misterio. Rothko nunca se explicó sus emociones en conflicto sobre el incidente, que ejemplifica su personalidad temperamental. La última serie de murales Seagram se dispersado, y ahora cuelga en tres lugares: Tate Modern de Londres, Japón Kawamura Memorial Museum y la National Gallery of Art de Washington, DC
El aumento de la prominencia en los Estados Unidos Estados
Rothko primera completado espacio fue creado en la Phillips Collection de Washington, DC, a raíz de la compra de cuatro pinturas por el colector de Duncan Phillips. Rothko fama y la riqueza ha aumentado considerablemente, sus cuadros comenzaron a vender a coleccionistas notables, como los Rockefeller. En enero de 1961, Rothko se sentó junto a Joseph Kennedy a John F. Kennedy inaugural pelota. Más tarde ese año, una retrospectiva de su obra se llevó a cabo en el Museo de Arte Moderno, a un considerable éxito comercial y crítico. A pesar de esta nueva notoriedad, el mundo del arte ya había centró su atención en el ahora pasan expresionistas abstractos de la "próxima gran cosa", Pop Art, en particular la obra de Warhol, Lichtenstein, Rosenquist y.
Rothko etiquetado artistas Pop-Art "charlatanes y los oportunistas jóvenes", y se preguntó en voz alta durante una exposición de 1962 del Pop Art ", son los jóvenes artistas de conspirar para matar a todos nosotros?" El ver banderas de Jasper Johns, Rothko dijo, "hemos trabajado durante años para deshacerse de todo eso." No es que Rothko no podía aceptar que se sustituye, por lo tanto como una incapacidad para aceptar lo que le sustituya. Lo encontró sin valor, a pesar de que recibió tanta admiración como colectores vendieron sus Rothko, Newman y Gottliebs y los reemplazó con Rauschenbergs, y organizaron retrospectivas de los artistas a continuación, en su mediados de los años veinte.
Rothko recibido un proyecto de mural segunda comisión, esta vez de una pared de pinturas para el ático de la Universidad de Harvard Holyoke Center. Hizo veintidós dibujos, de los cuales cinco murales se completaron un tríptico y dos pinturas de la pared. Presidente de Harvard Nathan Pusey, tras una explicación de la simbología religiosa del Tríptico, había las pinturas colgadas en enero de 1963, y posteriormente se muestra a el Guggenheim. Durante la instalación, Rothko se encuentran las pinturas que se vea comprometido por la iluminación de la habitación. A pesar de la instalación de cortinas de fibra de vidrio, las pinturas fueron retirados y, después de haber sido debilitado por la luz solar, se almacenaron en un cuarto oscuro. Al igual que con el Mural de Seagram, el Mural de Harvard seguirían siendo insuficientes.
El 31 de agosto de 1963, Mell dio a luz un segundo hijo, Christopher. Ese otoño, Rothko firmado con la Galería Marlborough de las ventas de su trabajo fuera de los Estados Unidos. En Estados Unidos, continuó la obra de arte para vender directamente desde su estudio. Bernard Reis, Rothko asesor financiero, fue también, sin el conocimiento del artista, el contador de fotos y, junto con sus compañeros de trabajo, más tarde fueron responsables de uno de los más grandes escándalos de la historia del arte.
La Capilla Rothko
La Capilla Rothko se encuentra junto a la Colección Menil y la Universidad de St. Thomas en Houston, Texas. El edificio es pequeño, sin ventanas, y sin pretensiones. Se trata de una geométrica, "postmoderna" la estructura, situada en una de principios de siglo-Houston barrio de clase media. La capilla, la Colección Menil, y la cercana galería de Cy Twombly se financiaron por el petrolero de Texas millonarios John y Dominique de Menil.
En 1964, Rothko se mudó a su último estudio de Nueva York en el 157 Este de la Calle 69, equipar el estudio con poleas llevar a grandes paredes de material de lona para regular la luz de una cúpula central, para simular la iluminación que planeaba para la Capilla Rothko. A pesar de las advertencias sobre la diferencia de luz entre Nueva York y Texas, Rothko persistido con el experimento, de ponerse a trabajar en los lienzos. Rothko dijo a sus amigos tenía la intención de la capilla para ser su única instrucción artística más importante. Él se involucró mucho en el diseño del edificio, insistiendo en que cuentan con una cúpula central como el de su estudio. Arquitecto Philip Johnson, incapaz de comprometerse con la visión Rothko, abandonó el proyecto en 1967, y fue reemplazado con Howard Barnstone y Aubry Eugene. Los arquitectos frecuencia voló a Nueva York para consultar, y en una ocasión trajeron con ellos una miniatura del edificio para la aprobación de Rothko.
Por Rothko, la capilla era de un destino, un lugar de peregrinación muy lejos del centro de arte (en este caso, Nueva York) donde los solicitantes de viaje de Rothko nuevo "religioso" obra de arte podía. Este implica una audiencia ya simpática en un mercado de arte cada vez más indiferente posmodernista. Inicialmente, la capilla, ahora no confesional, iba a ser específicamente católica, y durante los tres primeros años del proyecto (196.467) Rothko creía que iba a seguir siéndolo. Por lo tanto el diseño Rothko del edificio y las implicaciones religiosas de las pinturas fueron inspirados por Católica Romana el arte y la arquitectura. Su forma octogonal, se basa en la iglesia bizantina de Santa María de la Asunción, y el formato de los trípticos se basa en las pinturas de la Crucifixión.
Fue un extraño comisión de un laico Judio. Sin embargo, el Menils De creía lo universal "espiritual" aspecto de la obra de Rothko se complementan los elementos del catolicismo romano. Rothko voluntad puede haber sido relacionado con una sensación de persecución que se sentía del mundo del arte, en los años hasta e incluyendo la Capilla. Lo que está claro es que las pinturas de la capilla son el punto más bajo de "la oscuridad e impenetrabilidad" que los espectadores cada vez más se encuentran en su trabajo a fines de 1950 y principios de 1960.
técnica de la pintura de Rothko requiere resistencia física considerable que el artista ya no estaba enferma capaz de reunir. Para crear los cuadros que lo previsto, Rothko se vio obligado a contratar a dos auxiliares para aplicar la pintura castaño en movimientos rápidos de varias capas: "rojos de ladrillo, rojos profundos, negro malvas. "En medio de las obras, Rothko aplica ninguno de los mismo de la pintura, y fue por el contenido mayoría de los casos para supervisar el proceso lento y arduo. Sintió la realización de las pinturas que se "Tormento" y el resultado inevitable fue la de crear "algo que usted no quiere ver."
La Capilla es la culminación de seis años de vida de Rothko y representa a su gradual crecimiento preocupación por lo trascendente. Para algunos, ser testigo de estas pinturas es que presente auto a una experiencia espiritual, que, a través de la trascendencia de la materia, se aproxima a la de la conciencia sí mismo. Se obliga a acercarse a los límites de la experiencia y despierta uno a la conciencia de la propia existencia. Para otros, las casas Capilla 14 pinturas de gran formato cuya oscura, casi impenetrable superficies representan el hermetismo y el egoísmo.
Las obras consisten en la capilla de un tríptico en blanco y negro suave marrón en la pared central (tres grupos de 5 por 15 pies), y un par de trípticos a la izquierda y la derecha hace de rectángulos opacos negro. Entre los trípticos son cuatro cuadros individuales (11 por 15 pies cada uno), y una pintura individuales adicionales caras del tríptico central de la pared de enfrente. El efecto es rodear al espectador con masiva, la imposición de visiones de la oscuridad. A pesar de su base en el simbolismo religioso (el tríptico) y las imágenes menos que sutil (la crucifixión), las pinturas son difíciles de colocar específicamente para el simbolismo cristiano tradicional, y puede actuar en los espectadores subliminal. espiritual activo o la investigación estética puede ser provocado desde el visor de la misma manera como un icono religioso que tiene el simbolismo específico. De esta manera, la supresión de los símbolos de ambos Rothko elimina y crea barreras a la obra.
Al final resultó que, estas obras sería su última declaración artística en el mundo. Ellos se dieron a conocer finalmente a la apertura capilla en 1971. Rothko nunca vio completado la Capilla y nunca instalado las pinturas. De febrero 28, 1971, en la dedicación, Dominique de Menil, dijo, "Estamos lleno de imágenes y sólo el arte abstracto puede llevarnos al umbral de lo divino", señalando el valor de Rothko en la pintura lo que que se podría llamar "fortalezas impenetrables" de color. El drama para muchos críticos del trabajo de Rothko es la posición incómoda de las pinturas entre, como señala Chase, "la nada o de insipidez" y "Ute digna iconos que ofrece sólo tipo de belleza que encuentran aceptable hoy en día."
El suicidio y las consecuencias
En la primavera de 1968, Rothko se le diagnosticó un aneurisma leves (Debilidad del tejido que puede provocar la muerte instantánea) de la aorta, a causa de su hipertensión crónica. Haciendo caso omiso de las órdenes médico, Rothko siguió beber y fumar en gran medida, el ejercicio se evita, y mantener una dieta poco saludable. Sin embargo, lo hizo seguir el consejo médico no para pintar cuadros grandes de un metro de altura, y volvió su atención a los pequeños, los formatos menos esfuerzo físico, incluyendo acrílicos sobre papel. Mientras tanto, el matrimonio de Rothko se había vuelto cada vez más problemas, y su mala salud y la impotencia resultante de la aneurisma agravado el sentimiento de extrañamiento en la relación. Rothko y su esposa Mell separados en el Día de Año Nuevo de 1969, y se trasladó a su estudio.
El 25 de febrero de 1970, Oliver Steindecker, asistente de Rothko, que se encuentra la artista en su cocina, que yacía muerto en el piso frente al fregadero, cubiertos de sangre. Se había cortado los brazos con una navaja de afeitar se encuentra acostada a su lado. Durante la autopsia se descubrió que tenía una sobredosis también en los antidepresivos. Tenía 66 años de edad. Los murales Seagram en exhibición en la Galería Tate llegó a Londres el mismo día de su suicidio.
Poco antes de su muerte, Rothko y su asesor financiero, Bernard Reis, había creado una fundación destinada a financiar "la investigación y la educación" que reciben la mayor parte del trabajo de Rothko después de su muerte. Reis luego vendió las pinturas a la Galería Marlborough en valores sustancialmente reducidos, y luego se reparten las ganancias de las ventas posteriores a los clientes con los representantes de la Galería. En 1971, los niños Rothko presentó una demanda contra Reis, Levine Morton, y Theodore Stamos, los ejecutores de su herencia, sobre las ventas farsa. La demanda continua por más de 10 años. En 1975, los acusados fueron encontrados responsables por negligencia y los conflictos de interés, se retiraron como albaceas de la herencia Rothko por orden judicial, y, junto con la Galería Marlborough, estaban obligados a pagar una sentencia de 9,2 millones dólares daños a la propiedad. Esta cantidad representa sólo una fracción muy pequeña de la eventual gran valor financieros realizados desde entonces para los coleccionistas y expositores de los numerosos Rothko las obras producidas en su vida.
Rothko restos fueron enterrados primero en el Este de Marion en el Cementerio del Norte Tenedor de Long Island, Nueva York, en una parcela perteneciente a Stamos, un artista que había sido amigo de Rothko. A partir de 2006, Rothko los niños, el Dr. Kate Prizel Rothko, y su hermano, Christopher Rothko, trató de desenterrar los restos de Rothko y reinterpretación que, junto con los restos de su esposa, en los jardines de Sharon en Kensico Cementerio de Valhalla, Nueva York. En abril de 2008, el juez Arthur G. Pitts del Estado de Nueva York de la Corte Suprema acordó permitir la transferencia de los restos de Rothko. El plan fue aprobado por Georgianna Savas, albacea de la herencia de Stamos.
Legacy
La liquidación de su patrimonio se convirtió en el tema de la famosa sentencia de Rothko.
A principios de noviembre de 2005, Rothko 1953 óleo sobre lienzo, Homenaje a Matisse, rompió el récord mundial de venta de una pintura de la posguerra en una subasta pública, en dólares de los EE.UU. 22,5 millones de dólares.
En mayo de 2007, Rothko 1950 pintura Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa), rompió este disco nuevo, la venta en EE.UU. 72,8 millones dólares de dólares en Sotheby's Nueva York. La pintura fue vendida por el filántropo David Rockefeller, quien asistió a la subasta.
Un manuscrito inédito de Rothko acerca de su filosofía sobre el arte, titulada La realidad del artista, ha sido editado por su hijo, Christopher Rothko, y fue publicado por Yale University Press en 2006.
'Rojo', una obra basada en Rothko, escrito por John Logan, se inauguró en el Donmar Warehouse de Londres, en 03 de diciembre 2009. La obra se centra en todo el período de desarrollo de los murales Seagram. Alfred Molina interpreta a Rothko. Está dirigida por el artístico de Donmar Grandage director Michael.
A partir 14 de marzo 2010, 'Roja' se trasladará al Teatro Juan de Oro en Broadway en Nueva York con la misma estrella y director.
Referencias
Stigler ^, Stephen M., "Director Aaron Remembered". 48 J. Derecho y Economía. 307 de 2005.
^ PUERTO
^ Mark Rothko por Weiss et al., P262, http://books.google.com/books?id=tkHi9AFiLcwC&pg=RA1-PA262&dq=stand+close+Rothko&ei=MG4OSNnZOojYyATQxNS1Ag&sig=dUdDgCWi-tgcmAl3H7sGPGBiL1M # PRA1-PA262, M1
^ El expresionismo abstracto, por Barbara Hess, Taschen, 2005, p. 42
^ Jane Qiu. Naturaleza 456, 447 (27 de noviembre de 2008) | doi: 10.1038/456447a; Publicado en Internet el 26 de noviembre 2008, http://www.nature.com/nature/journal/v456/n7221/full/456447a.html
^ Tate Modern, Murales Rothko recuperado 04 de octubre 2008
^
^ (Caso citar NE2d 372 291)
^ Los parientes Rothko Sue a transferir sus restos
^ 38 años después del suicidio del artista, sus restos se encuentran en movimiento
^ Rothko Restos de moverse, ARTINFO, 16 de abril de 2008, http://www.artinfo.com/news/story/27350/rothkos-remains-to-be-moved/, recuperado 23/04/2008
^ Grandes ofertas romper arte moderno registro BBC
^ El artista Yale University Press Realidad
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^ Http://www.newyorkcitytheatre.com/theaters/johngoldentheater/theater.php
Fuentes
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Breslin, Rothko JEB Marcos – Una Biografía, Chicago, Londres, University of Chicago Press, 1993.
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Herskovic Marika, el expresionismo abstracto americano de la década de 1950 una encuesta Ilustrado, (Prensa de Nueva York School, 2003.) ISBN 0-9677994-1-4
Bibliografía
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David Anfam, Obras Marcos Rothkohe sobre lienzo: Un catálogo razonado, Yale University Press, 1998.
Mordechai Omer y Christopher Rothko (eds.), Mark Rothko. Tel Aviv Museo de Arte, 2007.
Enlaces externos
Wikiquote tiene una colección de citas relacionadas con: Mark Rothko
Wikimedia Commons alberga contenido multimedia sobre Mark Rothko
Marcos exposición de Rothko en la Tate Modern, Londres, septiembre 2008 a febrero 2009 incluye entrevista comisario
Revista de prensa:
The Times (incluye video)
La Veces, una segunda revisión de tiempos
El Observador
El Independiente
El Telegraph
Nacional característica Web Galería de Mark Rothko incluye una visión general de la carrera de Rothko, numerosos ejemplos de su arte, una biografía del artista
Entrevista con Bernard Braddon y Sidney Schectman conducida por Avis Berman, Nueva York, Nueva York, 1,981 9 de octubre. Smithsonian Institution Archives of American Art (Braddon y Schectman eran dueños de la Galería de Mercurio, que exhibió las obras de los Diez en la década de 1930).
La Capilla Rothko en Houston, Texas, se dedica a la pintura de Rothko y de culto no confesional
Mark Rothko la tumba
Artcyclopedia contiene enlaces a las galerías y museos con piezas de Rothko y artículos sobre Rothko.
Ensayo sobre Mark Rothko – Exámenes de Archivos
Jackson Pollock y Mark Rothko screener de vídeo
Guardian presentación de diapositivas como imágenes de las obras y una fotografía del artista
Mark Rothko portal web El Arte Historia del artista información sobre Rothko
presentación de diapositivas independientes tiene varios trabajos
BBC De alimentación de Arte La serie documental de Simon Schama de Arte aparece Mark Rothko.
v d e
Las obras de Mark Rothko
Blanca Centro (rosa amarillo y lavanda sobre rosa) (1950) Cuatro Darks en Red (1958) N º 14 (1960) Sin título (Negro sobre Blanco) (1970)
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